Flow - CONTENDOS

GUIA BASICA DE TEORIA MUSICAL!

Sun, 25 Dec 2022 14:41:00 +0000

La música y las matemáticas han estado siempre íntimamente ligadas. Conocer la evolución de la concepción musical a lo largo de los siglos, hasta alcanzar el sistema de doce notas con temperamento igual que empleamos en el mundo occidental, es una apasionante aventura, no sólo en sus vertientes musical y matemática, sino también desde las perspectivas cultural, física, técnica y artesanal.
Esta es una pequeña guía de teoría, para que te puedas formar una idea.

A estas alturas del cuento supongo que ya sabrás que nuestro sistema musical tiene doce notas, y no siete. Si no lo tienes claro, echa un vistazo a cualquier imagen de un piano y presta atención a esas teclas negras situadas estratégicamente entre las blancas.

También supongo que sabes que ese patrón de doce notas vuelve a repetirse, encontrando las mismas notas, una octava más agudas a la derecha o más graves a la izquierda. Y que la frecuencia de una nota una octava más aguda que otra es exactamente el doble de esta. Por ejemplo, si tenemos un LA a 440 Hz, el siguiente LA más agudo estará exactamente a una frecuencia de 880 Hz, mientras que el anterior, más grave, se situará en la mitad, 220 Hz.
Esta proporción 2:1 es la única que necesitamos para proseguir con los cálculos que realizaremos a continuación.
He dibujado un piano especial en el que he indicado la frecuencia de unos cuantas notas LA. Es un piano peculiar porque me he permitido poner al mismo nivel las teclas blancas y las negras, de modo que resulte más visual lo que pretendo explicar. He empleado la notación anglosajona a la hora de designar las notas porque me resultaba más cómodo en el gráfico, al ocupar menos espacio.

En vez de ser una visión típica con octavas de DO a DO, he marcado las notas LA como referencia visual, ya que conocemos la frecuencia de una de ellas: la nota LA por encima del DO central tiene una frecuencia exacta de 440 Hz, el sonido de referencia recomendado internacionalmente para la afinación de los instrumentos.
He denominado a esta nota A4 (LA 4), aunque quizás puedas preferir llamarla A3, si eres partidario del sistema franco-belga. Es simplemente una cuestión de elección personal.

Como ya sabemos la relación 2:1 entre octavas, he marcado también las notas A5 y A6, más agudas, y A3, más grave, con sus respectivas frecuencias, inmediatamente calculables multiplicando o dividiendo entre dos.

He colocado también, más pequeñas y en lápiz, el resto de las notas musicales entre A3 y A4. No lo he hecho en las demás octavas para no emborronar demasiado el gráfico.
Imagina que ese dibujo representa un eje de coordenadas en el que se representa la frecuencia de cada nota musical.

¿Es lineal esa representación? Obviamente, no. Si te fijas, la separación entre el A3 y el A4 es de 220 Hz, mientras que entre el A4 y el A5 es del doble, 440 Hz. A su vez, entre A5 y A6 nuevamente el doble, 880 Hz. Sin embargo, sobre el papel, hay la misma distancia entre A3 y A4, que entre A4 y A5 o A5 y A6.

Este tipo de series en las que no hay linealidad, sino proporción constante, se denominan, en matemáticas, progresiones geométricas. Para reducirlas al plano lineal recurrimos a los logaritmos. Gracias a ellos podemos representar linealmente magnitudes que varían exponencialmente. La imagen de las notas uniformemente espaciadas a lo largo de un piano no es más que una visión logarítmica de esta progresión geométrica.

Y lo bueno del asunto, y verdadera clave para comprender lo que es un sistema de temperamento igual, es que la frecuencia de cada una de esas 12 subdivisiones que hay entre medias, correspondientes a cada nota musical, también sigue una representación logarítmica.

Desde el punto de vista matemático, decir que un sistema de doce notas tiene temperamento igual no es otra cosa sino decir que la proporción entre una nota cualquiera y la siguiente (un semitono más alta) es siempre constante.

Hay un factor multiplicativo constante. Si somos capaces de descubrir ese número mágico estaremos en condiciones de poder calcular la frecuencia de cualquier nota.
Calculemos el número que sostiene a nuestro preciado sistema musical. Si A4 es 440 Hz, la siguiente nota, un semitono más alta, LA sostenido (o Si bemol, según prefieras), tendrá por frecuencia:

A su vez, la frecuencia de la nota siguiente, SI, será:

Después de B4 comienza la siguiente octava con C5:

Y así hasta llegar a A5, una octava más alta, doce semitonos, que A4:

Ahora bien, la frecuencia de A5 ya la conocemos, 880 Hz, doble de 440 Hz:

con lo que

Ya tenemos la razón buscada:

Podemos determinar la frecuencia de cualquier nota si conocemos la distancia d en semitonos que la separa de A4:

No es necesario referenciar siempre contra A4; nos sirve cualquier frecuencia conocida, siendo d, en este caso, la distancia en semitonos entre la buscada y la conocida:

Realicemos un ejercicio práctico. Vamos a calcular la frecuencia de MI 5, a una quinta justa por encima de A4. Si contamos, la separación en semitonos entre ambas notas es 7, de modo que:

¿Cuál es la frecuencia del DO central, que se halla nueve semitonos a la izquierda del LA 4? Es un ejemplo en el que d es una distancia negativa.

También podríamos haber resuelto este problema tomando como referencia A3 (220 Hz) y contando tres semitonos hacia delante:

Como vemos, el resultado es el mismo en ambos casos.
Visitaremos en más ocasiones el lado matemático de la música. ¿Sabías que algo que damos por obvio como que Do sostenido tiene la misma frecuencia que Re bemol, es debido a naturaleza igualmente temperada de nuestro sistema musical?
Es para pensarlo...

EDITORES MULTIPISTA CUAL ES EL MEJOR PARA VOS?

Sun, 25 Dec 2022 14:39:00 +0000

Desde allá por los años 90′, cuando empezó la grabación casera, comenzaron aparecer ciertos programas y es de estos que hablaremos hoy.

Siempre se ha discutido sobre cuál es el mejor.
Y a medida que las opciones mejoran, sigue creciendo el debate.
Aquí una pequeña lista con los mejores, solo hay que probarlos...

Studio One 3
studio one 3Conocido desde hace mucho tiempo en la industria por hacer hardware de calidad a precios asequibles…
Hace poco Presonus decidió añadir su propia línea de DAW también.
Y con la ayuda de varios desarrolladores de Steinberg Cubase…
Presonus lanzó al mercado la primera versión del Studio One en el 2009.
Desde entonces ha crecido rápidamente hasta convertirse en un serio competidor de otros de los mejores DAWs.

Cakewalk SONAR
sonar professionalAunque probablemente sea la opción que menos me gusta de esta lista…
Cakewalk Sonar lleva ya años en el ranking de mejores DAWs…

FL Studio
Fruity Loops DAW SoftwareAntiguamente conocido como Fruity Loops…pero después de su encontronazo con Kelloggs, quienes pensaron que la gente podría confundirlo con sus cereales de desayuno…
Hace más de una década, Image-Line cambió oficialmente el nombre de su clásico software por FL Studio.
Una de las mejores opciones para productores

Propellerhead Reason
reason 9Mucho más que un DAW promedio…
Propellerhead Reason ofrece una prestación INCREÍBLE que el resto no incorpora.
Además de ser un DAW excelente para ser usado en solitario…
También funciona como paquete de instrumentos virtuales que puede ser utilizado en combinación con otros DAWs.

Ableton Live
ableton live 9Lo que hace que el Aleton Live sea tan único es…
El hecho de que originariamente se diseñó como instrumento para actuaciones en directo.
Y aunque desde entonces ha evolucionado hasta convertirse en un paquete de grabación completo…

MOTU Digital Performer
motu dpUno de los DAWs más antiguos…
La primera versión del Digital Performer apareció allá por 1990…
Originariamente como interfaz de un sistema de Digidesign, que más tarde se acabaría convirtiendo en Pro Tools.

Steinberg Cubase
cubase pro 8.5El OTRO “abuelo” de la lista…
Steinberg lanzó la versión original de Cubase en 1989, que por aquel entonces era solo para MIDI.

Cockos Reaper
reaper logo
Fundado en 2004…
Los ingenieros de Cockos Incorporated empezaron a desarrollar Reaper (de sus siglas en inglés “Rapid Environment for Audio Prototyping and Efficient Recording” o lo que en español vendría a ser algo así como “Rápido Entorno para Prototipos de Audio y una Grabación Eficiente”)…

Apple Logic Pro X
Logic Pro X DAW SoftwareEn el año 2002, una pequeña compañía conocida como Emagic desarrolló la primera versión del Logic…
Que debió parecerle prometedora a Apple…
Porque la compraron poco

Estos son algunos de todos los que existen a la fecha, los mejores,.
Solo se trata de probar leer el manual, tener algo de experiencia en teoría musical,...
Pero si no tenes nada e de experiencia no te preocupes solo basta con probar,existen versiones de prueba y para todos los bolsillos solo descargate u trial, probalo y si te gusta ya sabes...
Adelante..y suerte.

Cómo han cambiado las redes sociales el mundo de la música?

Sun, 25 Dec 2022 14:38:00 +0000

¿Cómo han cambiado las redes sociales el mundo de la música?
El negocio de la música es uno de los sectores que más dinero mueven en nuestro país, y nos atreveríamos a decir, que en el Mundo. Si hay un sector que ha sufrido uno de los cambios más radicales con la llegada de Internet a nuestras vidas, sin duda ha sido el mundo de la música.

La llegada de Internet al negocio musical ha tenido sus consecuencias negativas, como la bajada en ventas de discos, pero también ha ofrecido un universo de oportunidades para hacer negocio, y sobre todo para comunicar.
Si en estos años ha surgido algo que ha supuesto una gran oportunidad para la promoción de artistas y sus discográficas, han sido sin duda las redes sociales y plataformas como Youtube, Spotify, etc. Las ventajas que ofrecen las redes sociales a los artistas son múltiples, sobre todo a la hora de comunicar y relacionarse con sus fans.

Las redes sociales (Social Media) son unas de las partes vertebradores y fundamentales de la industria musical y las ventas en la actualidad.
El boca a boca a través de las redes sociales es fundamental para hacer crecer tu marca a través de las distintas plataformas como facebook, twitter, instagram, snapchat, youtube entre otras.

Comprender a desenvolverte en los medios sociales con conocimiento de causa, con estrategia y sin spamear a nadie debe ser el mínimo de cualquier persona que quiera llevar a buen término su marca o proyecto.
En esta sección encontraras consejos útiles y prácticos para llevar a cabo en las distintas plataformas, análisis de casos de éxito, artistas de los que aprender, instrucciones paso a paso a poder implementar tu estrategia en los medios sociales y mucho más.

10 Plataformas Para Músicos Que Buscan Nuevos Fans

Reverbnation
plataformas para musicos
Una de las plataformas más completas del mercado para artistas. Reverbnation te va a conquistar por la diversidad de buenas opciones que puede aportar a un plan de marketing musical. Aquí te destaco las más relevantes:
Crear alianzas con colegas del sector independientemente del país donde se encuentre. Por ejemplo podrías componer con otro compositor del extrangero o podrías encontrar a tu productor ideal aunque viva en Australia.
Contactar con managers del mundo para ofrecer tu producto.
Presentarte a concursos donde el ganador gozará de oportunidades inimaginables para dar el salto definitivo con su proyecto musical. En este sentido, muchos artistas en su momento desconocidos han podido dar el salto al cine gracias a este tipo de acciones.
Aumentar tu comunidad gracias a los seguidores potenciales que te descubrirán por esta plataforma.
Vender tu música de manera directa o a través de las diferentes plataformas existentes en la red.

Shazam
Una plataforma de obligada visita sobre todo cuando se está en la fase de creación de nuevas canciones. Es la plataforma para descubrir música líder en el mundo.
Recientemente, el CEO de Shazam anunciaba nuevas funcionalidades entre las que destaca la del reconocimiento visual permitiendo así reconocer carteles o cualquier tipo de contenidos visuales digitales.
Esta plataforma te dice además, cuáles son las canciones más escuchadas según la ciudad del mundo que tu le digas. Esta funcionalidad es sumamente atractiva si por ejemplo, tu producto en la fase en la que te encuentras, va dirigido al público de una región en especial de tu país. Solo tendrás que acudir a este apartado, seleccionar la zona y ver qué es lo que la gente más consume.

LastFM
Esta plataforma ofrece servicios de consumo musical por streaming. Lo que más que llama la atención son los sistemas de algoritmos que utiliza para proporcionar al consumidor una grata experiencia de manera que cuando seleccionas una canción para escuchar, te ofrecerá 5 opciones más de artistas en esa línea desconocidos para ti.
Otro aspecto diferenciador de LastFM es la posibilidad de visualizar en tiempo real las tendencias y hábitos de consumo de la comunidad de la plataforma de manera que podrás captar ideas para tu proyecto musical en base a las tendencias reales del mercado actual.

Tweet For a Track
Herramienta para viralizar tus canciones a través de un tweet. Una herramienta más para potenciar tu promoción musical. ¿Cómo funciona?. Muy sencillo:
Primero | Sube una canción propia y escribe un tweet con el enlace del tema en mp3 para descarga gratuita.
Segundo | Un follower de tu cuenta de Twitter ve el tweet y hace click en el enlace.
Tercero | Para obtener la canción gratuita, el seguidor de Twitter deberá compartir el tweet entre sus seguidores y recibirá el link de descarga por email.
Cuarto | Los amigos de tu seguidor verán tu tweet y un porcentaje de ellos harán click y repetirán el proceso.
Como puedes comprobar, se trata de una herramienta que potencia la colaboración entre artista y seguidor ofreciendo una canción gratuita a cambio de un tweet.
Para un artista que provoque pocas ventas, es más interesante divulgar el producto que tratar de venderlo.

Bandpage
Esta plataforma para músicos es vital.
Otras de las grandes herramientas casi obligatorias para todo artista.
Bandpage ejerce de “vehículo para transportar tu música” a las plataformas de alto consumo como Facebook, Twitter, Youtube, etc..
Más de 500.000 músicos de todo el mundo usan esta plataforma para expandir su producto y exponerlo allá donde conviva el fan para conectar y aumentar su comunidad. Alicia Keys, Beyoncé o Bruce Springsteen la han utilizado.

Esta plataforma reparte muchas cifras en dólares para músicos de todos los niveles.
Algunas de sus funcionalidades:
Crear experiencias con los fans y ganar dinero.
Montar tu propia tienda online
Perfecta integración en Facebook con una página donde podrás ofrecer tus canciones, agenda de conciertos, vídeos y bio. De esta manera, un seguidor de tu página de Facebook no tendrá que salir de la red social para acceder a tu producto.
Integrar un widget con un atractivo reproductor de tus canciones en tu propia web o blog.
Crear tu site personalizado para difundir todo tu producto a través de una simple url.

StageIt
Si consigues que un fan viva una grata experiencia a través de tu música, habrás ganado a un fiel seguidor por mucho tiempo.
La experiencia es el vehículo más óptimo para llegar a emocionar a un consumidor de música y aquí te presento a una plataforma ideal para ello. Con StageIt podrás:
Crear conciertos online de 30 minutos desde tu casa con tu guitarra y una simple conexión a internet. Sin más.
Emitir un ensayo en directo.
Conectar con las pruebas de sonido.
Emitir un concierto acústico que realices en casa de un seguidor seleccionado a través de un concurso.
Ganar dinero con cada una de las acciones anteriormente mencionadas.
En fin, toda aquella acción musical que se te ocurra siempre que tengas una conexión óptima a la red y un portátil.

Tubemogul
plataformas para musicos
Teniendo bien claro que Youtube es la principal plataforma de vídeo para cualquier artista, con Tubemogul vas a poder con un solo click, subir tu video a diferentes plataformas de vídeo de manera que mejore el SEO y logres que el vídeo llegue a un mayor número de potenciales fans.
De esta manera te evitarías estar accediendo plataforma a plataforma ahorrando mucha cantidad de minutos.

Kompoz
Muy interesante plataforma de crowdsourcing para músicos.
Por ejemplo, con Kompoz podrías subir una idea de canción y que el bajista sea un “colega” de Noruega, los coros los haga una chica que se encuentra en Chicago y la letra te la aporte un compositor de Argentina, fantástico verdad?.
Una de las realidades que ningún artista puede evitar es la de posibilidades existentes en la red para crear colaboraciones más que interesantes con colegas que se encuentren en la otra parte del mundo.
Una vez que se haya creado el producto, podrás venderlo en la misma plataforma.

Tumblr
Aquí una interesante red de microblogs que permite compartir información y actualizaciones con fans. Es la manera más fácil de tener un propio blog y compartir todos tus momentos para conseguir potenciar comunidad. Aquí algunas de sus características:
Posee atractivas plantillas y diseños.
Integración con las redes sociales.
Las actualizaciones pueden llevar etiquetas.
Es ideal si quieres tener un blog personal pero no quieres complicarte la vida con WordPress. El camino más fácil.

Songtrust
plataformas para musicos
Por último quiero que conozcas esta plataforma de gestión de los derechos de autor de manera online.
Si no tienes editorial que controle tus interacciones musicales y no sabes si el dinero que tus obras están generando se lo está quedando el vecino, puedes probar con esta plataforma donde entre otras cuestiones, te permite ver sobre la marcha los beneficios que cada canción está generando según consumo.
Ojalá algunas de éstas plataformas para músicos se alíen a tu proyecto ayudándote a conseguir los objetivos marcados, ojalá.
La promoción musical es esencial para tu futuro como artista y hoy gracias a internet, hay múltiples maneras de ser relevante para una comunidad de seguidores.

Te vas a Animar a masterizar? Acá Tenes algunos tips que te van servir!

Sun, 25 Dec 2022 14:35:00 +0000

El mastering es el último paso en la producción musical. Es un proceso de mejora de la calidad del sonido de su canción con un conjunto de herramientas tales como ecualizador, compresor y limitador. También está preparando una canción para el medio adecuado. Después de masterizar una canción, esta debe estar lista para ser escuchado por el público.
Hay que tener en cuenta que la masterización va mano a mano con la mezcla. La verdad es que si la canción está poco mezclada, o la masterización va a ser hecha de manera aficionada no va a terminar bien, e incluso, puede que quedar peor.

Así que antes de empezar a experimentar con la masterización, usted necesita aprender a mezclar. Tu canción tiene que sonar lo mas buena y equilibrada como sea posible antes de ir a la etapa de masterización.
Hay una amplia gama de plugins VST que se puede utilizar para masterizar una canción e incluso un montón de presets para que pueda empezar. Tengo que decir sin embargo que en realidad no es “apretar un boton y listo” o “un ajuste que va bien para todos” para la masterización. Cada combinación es diferente y es por eso que las herramientas de masterización debe ser ajustado de acuerdo a la situación. Todo depende del material de audio que tiene y lo que quieren lograr con la masterización.
Con todo esto dicho, ahora voy a mostrar un método que personalmente utiliza un productor de Estados Unidos para masterizar sus canciones. Este tutorial es como un punto de partida y la introducción de un conjunto de herramientas que se pueden utilizar para este proceso final.
Preparación de la canción para masterizar y ponerse a trabajar
En realidad hay dos maneras de masterizar sus canciones en FL Studio: 1.) Usted puede masterizar la canción mientras que usted está mezclando o 2) se puede exportar la canción en un archivo WAV, crear un nuevo proyecto vacío y la importación de nuevo a. FL Studio y luego masterizarla.
Personalmente, me gusta mantener la mezcla y masterización como proyectos separados, así que estoy utilizando el método 2. y este tutorial se centrará en él.
Así que aquí está el proceso paso por paso:
1.Exportar su mezcla a WAV
Antes de exportar su mezcla, se recomienda colocar el mezclador de la pista master nivel de volumen a todo-6.0dB –8.0dB. Esto es para evitar la aparición de recorte del WAV exportados. Sin embargo, si decide utilizar formato 32 bits floating, usted no tiene que preocuparse por el recorte.
Además, es mejor no utilizar ningún compresor o limitador en el mezclador de pista principal cuando se está exportando.
Utilice la más alta calidad posible para la representación. Esta es la configuración que estoy utilizando por lo general:
1.Crear un nuevo proyecto vacío en FL Studio y abra su canción en Edison
Cortar el silencio innecesario al final o al principio de la canción (en su caso).

1.Crear un muy corto fade out al final de la canción (si es necesario)
Eso es sólo para evitar que la canción se corte bruscamente ya que puede haber una cola de reverberación o efecto de retardo que siga repruciendose después deque la canción real ha terminado. Revise a continuación:
1.Normalizar el archivo WAV
La normalización aumenta la amplitud de la onda de modo que el pick más alto está en el nivel máximo de 100% posible. Esto maximiza el volumen sin recortes. Guarde los cambios en un archivo WAV.
1.Cree otro proyecto vacío en FL Studio e importala mezcla WAV a una lista de reproducci
2.Cargar los plugins de masterización.
Abra el mezclador y añade estos complementos en el orden siguiente para las pistas del mixer maestro FX:
*Fruity Parametric EQ 2 para el corte de las frecuencias no deseadas.
*Fruity Compresor para asegurarse de que el rango dinámico de toda la mezcla es equilibrada por lo que no hay grandes diferencias también entre las partes más tranquilas y más fuerte.
*Fruity Compresor Multibanda para afinar el nivel de volumen en las zonas que todavía están demasiado alto o en la mezcla (si es que es así).
*Fruity Parametric EQ 2 para impulsar las frecuencias.
*Fruity Limiter para maximizar el volumen de la mezcla de todo.
Básicamente, este conjunto de plugins son suficientes para masterizar su canción satisfactoriamente.

Ahora, algunas palabras sobre el orden de los plugins en la cadena FX: podría ser una buena idea poner la ecualización que se utiliza para el corte, antes de la compresión y la ecualización se utiliza para impulsar, después de la compresión. ¿Por qué? Debido a la configuración de la ecualización afecta un poco cómo se comporta la compresión. Por ejemplo, si usted impulsar algunas frecuencias bajas antes de la compresión, elevar su nivel máximo y el compresor es probablemente reaccione para estos picks tratando de atenuarlos.
Sin embargo, como siempre en la producción de audio, no debería hacer demasiado o “Qué No Hacer: en algunas situaciones la mencionada puede ser exactamente el efecto que el que está después de, pero en una situación de mastering normal, las frecuencias de corte podría ser mejor ser hecho antes y después de aumentar la compresión …
A continuación se muestra una foto de la cadena de los efectos para el mastering:
Ahora, para la configuración de la primera ecualización:

1.Fruity Parametric EQ 2 para el corte.
Esta es la unidad de la ecualización que está delante de los compresores. Se usa para cortar las frecuencias bajas alrededor de 30 Hz con filtro de paso alto con pendiente pronunciada, así como filtro de corte alrededor de 20 kHz con filtro de paso bajo. Esas son las frecuencias que no se puede escuchar a través de la mayoría de los sistemas de altavoces, pero sólo tiene que añadir la energía necesaria para su mezcla y hace que la mezcla de sonido más fuerte (no en el buen sentido) de lo que realmente es. Es como el ruido de sobra que necesita ser limpiado. Revise a continuac
Nota sobre el corte de baja frecuencia : algunos productores recomiendan para cortar las frecuencias bajas a partir de 20 Hz en lugar de 30Hz. Esto es porque si la canción se juega en los clubes y los grandes sistemas de PA, con 30 Hz corte que usted puede perder mucho de la respuesta de gama baja.
Sin embargo, usted debe saber que no casi todos los grandes sistemas de PA son capaces de bajar a 20 Hz, la mayoría en realidad se salen de los 30-40Hz, así que si la mezcla tiene una gran cantidad de energía en la región de 20 Hz, se acaba inútilmente espacio libre de residuos. Con esto en mente, el establecimiento de la corte de 30Hz le dará la oportunidad de utilizar el espacio libre más grande para ajustar la mezcla y hacerla más fuerte.
Además, recuerde esto: si el sistema de AP ha sido configurado mal, siempre hay un riesgo de que las pistas de sub-bajos pesados ??puede volar el sistema – a pesar de que no es culpa tuya, todavía vale la pena considerar.
Tengo que decir que yo personalmente he encontrado que la reducción de la gama de 30 Hz elimina lo innecesario estruendo esclarecimiento de la mezcla muy bien y da mucho más margen de maniobra, así que por eso lo estoy recomendando. Pero en realidad depende de ti y lo que estás planeando hacer con su canción. Usted puede terminar por no usar la ecualización de corte en todo.
Nota sobre el corte de alta frecuencia : si te apetece, también pueden probar con empezar a rodar fuera de las altas frecuencias de 16 kHz ya fin de eliminar los transitorios de alta más y distorsión. Recorte de las frecuencias altas a 16k Hz ayudará a reducir la aparición de dolor de oído de gama alta en los grandes sistemas de PA.
Ahora, a la compresión.8. Fruity Compressor
Fruity Compressor es un compresor de una sola banda y es útil en el mastering de la cadena FX para la noche de las variaciones de rango dinámico en su mezcla. El compresor es ideal para “Geling” sonidos diferentes en la mezcla juntos – para ajustar la mezcla.
Voy a explicar la idea de la compresión un poco más:
Básicamente, la compresión es un proceso de asegurarse de que no haya mucha diferencia entre las partes más fuertes y más tranquilas. Es como controlar el volumen automáticamente para que las partes suaves sean más fuertes y las partes fuertes no cause saturación. Se reduce la ganancia de los picks y se puede establecer el nivel en que esta reducción está sucediendo y cómo está sucediendo. Es muy parecido a ajustar automáticamente un controlador de volumen para que el nivel de volumen se mantenga en un mínimo definido y el rango máximo. Esto es para asegurarse de que su mezcla de sonidos sea dinámicamente equilibrada.
Aquí está el los controladores de compresión más comunes:
Treshold establece el nivel de la señal (en dB’s) en donde arranca el compresor se produzca,
Ratio establece los conjuntos de la cantidad de compresión que se aplicará.
Attack controla el tiempo de la rapidez con la compresión comienza a afectar.
Release establece la rapidez con el efecto de compresión se detendrá después de la señal cae por debajo del umbral definido.
Knee establece en qué proporción la cantidad correspondiente a la compresión se aplica. La disminución del valor de la Knee permite la compresión completa que deben aplicarse con mayor rapidez – en cuanto permite el attack. Este es el más difícil de la knee. Aumentar el valor de la knee hace más suave dejando que la falta de compresión más suave.
Gain se utiliza para aumentar la señal comprimida por la compresión que reduce bastante el nivel de la señal.
Un par de consejos de usar el compresor de una sola banda en el mastering de la situación: relación de bajo uso, ataques largos y tiempos de liberación de resultados de sonido más transparente (transparente en este contexto significa sin color de sonido – manteniendo el sonido tan natural como sea posible). La transparencia es necesaria para mantener el ambiente original de la mezcla.
Sin embargo, cada canción es diferente por lo que es imposible dar una configuración exacta, pero se puede empezar a experimentar con estos:
Treshold: -25dB
Ratio: 1.5:1 – 02:01
Attack: 50 ms
Release: 150ms
Gain: 2.4 dB
Si la mezcla empieza a sonar demasiado aplastado, o no natural, pruebe a reducir la proporción y experimentar con diferentes combinaciones entre threshold/Ratio.
Como regla general, utiliza el compresor moderadamente en el mastering para evitar el aplastamient
1.Fruity compresor multibanda.
compresor multibanda es una gran herramienta en el mastering con el mixer FX para afinar los niveles de volumen aún más.
Voy a explicar el compresor multibanda un poco: compresor multibanda (como Fruity Compresor) afecta a la banda de frecuencias, pero el compresor multibanda permite aplicar la compresión a una las bandas de frecuencia elegidas – en este caso, tres bandas diferentes (bajo, medio y alto). Para cada banda se puede establecer el punto de corte del filtro. Eso significa que usted puede definir qué frecuencia, las zonas de los compresores fr banda afectará.
compresión multibanda es una herramienta muy útil en el mastering, puede hacerlo sin afectar demasiado a las frecuencias medias y altas y viceversa. Por ejemplo, si usted tiene algún sitio picks altos en la zona de baja frecuencia, puede atenuar estos sin reducir la ganancia (Gain) de los medios y / o máximos.
Básicamente, usted puede hacer esto con una ecualización también, pero usar el compresor multibanda aquí, le dará un poco más de transparencia y los resultados orgánicos de la ecualización. Por supuesto, esto depende de los plugins – algunos son más transparentes que otros. Además, ¿qué tipo de sonido que está después de lo que define a la herramienta debe utilizarse. Pero con los plugins que estoy usando en este compresor tutorial, multibanda puede ser la mejor elección para la fijación del comportamiento de ganancia.
He aquí una breve introducción a los diferentes parámetros en Fruity compresor multibanda¿Qué ajustes recomiendo usar con Fruity compresor multibanda? Es casi imposible dar ninguna recomendación, ya que todo depende de qué tipo de mezcla que están masterizando. Usted puede comenzar con estos, sin embargo, pero el resto depende de usted y sus oídos:
Limitador: 0ff
Filtro: FIR
BANDA BAJA:
Umbral:-25.0dB
Ratio: 1,2:1
Rodilla: 0%
Ataque: 3.3ms
Publicación: 62ms
Ganancia:-1.6dB
MEDIADOS DE BANDA:
Umbral:-9.0dB
Ratio: 1,8:1
Rodilla: 76%
Ataque: 31ms
Publicación: 56ms
Ganancia: 1.6dB
BANDA ALTA:
Umbral:-11.0dB
Ratio: 2.0:1
Rodilla: 76%
Ataque: 3.6ms
Publicación: 48MS
Ganancia: 2.7dB
Ahora, para el impulso eq.
1.Fruity Parametric EQ 2 para IMPULSAR.
Esta es la unidad de la ecualización que viene después de la compresión. Lo que me gusta hacer en este momento es aumentar ligeramente las frecuencias de alrededor de 8-15kHz con filtro de pick con un ancho de banda semi-ancho. Esto añadirá un poco de brillo a la mezcla de todo.
El impulso que podría haber sido realizado con una ganancia del compresor multibanda controles, así, pero la ecualización está aquí para un control aun más preciso sobre las frecuencias. Como he mencionado en la sección de compresión multibanda anterior, dará un resultado ligeramente diferente a la ecualización cuando se trata de la configuración de frecuencia.
Bueno, chequea la foto de abajo:
1.Fruity Limiter
Fruity Limiter es lo que se utiliza para maximizar el volumen de toda la mezcla sin distorsión. El propósito de un limitador en una situación de mastering es limitar el nivel de salida a un nivel máximo definido (0.0dB generalmente o) para evitar el recorte cuando se está aumentando la ganancia.
Voy a tratar de explicar un poco cómo funciona el limitador:
Limitador es un pariente cercano al compresor. Se restringe la señal de ir por encima de un valor de treshold, al igual que el compresor. Si los picks están tratando de ir por encima del valor umbral, una reducción de ganancia va a producir.
Sin embargo, en el compresor, la reducción de ganancia se aplica de una manera más suave y que también afecta a las partes más tranquilas de la señal, haciéndolos más fuertes, mientras que el limitador (por lo menos limitador de Brick-Wall) de los picks que están tratando de ir más el valor de treshold y dejar los picks más quietos. Reducción de los limitadores de ganancia es absoluta y más abrupta que los compresores. Esa es la diferencia principal.
En un limitador, se establece el nivel por encima del cual se limita la señal mediante el techo de salida. Por lo general, está llamado a 0.0dB. Ahora, cuando usted comienza a aumentar el volumen con ganancia de entrada, el limitador aplastará todos los picks de señal que están tratando de ir por encima de la 0.0dB. Así que cuanto más se están tratando de maximizar el volumen de su mezcla, mayor será aplastado sonido. Trate de ser amable aquí por no destruir su mezcla.
Algunos limitadores como Fruity limitador tiene el attack y controla la liberación también. Attack controla la rapidez con el limitador responde a los picks de señal. El Release controla la rapidez de “recuperarse” de la señal de la limitación.
He aquí algunos de los más importantes ajustes Fruity limitador introducidas:
Para la configuración recomendada – todo depende de la mezcla de nuevo – pero puedes comenzar con estos:
Celing (Techo): 0.0dB
Gain (Ganancia):-4.0dB 7.0dB
Saturación: 0.0dB
Attack: 4 ms
Release: 250ms
Attack curve: 3
Release Curve: 3
Ahead: 9ms
Experimente con la ganancia de entrada, sea amable con ella, para evitar aplastar la mezcla. Sabes que estás poniendo demasiado ganancia cuando la canción comienza a sonar como estrés o como si fuera en una gran presión. Trate de encontrar un equilibrio entre la sonoridad de lo posible y no dejar que la mezcla de sonido excesivamente aplastado.
1.Exportar la canción una vez más a WAV con la configuración de máxima calidad (esperamos establecer la calidad de WAV a 16 bits).
Eso es todo. Con un conjunto de herramientas como estas es posible masterizar una canción en FL Studio.
Lo admito, el mastering de toda esta cosa no es tarea fácil. Personalmente, siempre estoy luchando con él también. Se necesita bastante paciencia y mucho ensayo y error. Sin embargo, la experimentación es la mejor manera de aprender.
A veces, en la etapa de masterización, es posible darse cuenta de que no se puede arreglar algo con las herramientas de masterización. Entonces es posible que deba volver a la etapa de mezcla y la adjustements necesario allí.
Recuerda también esto: no es necesario usar la compresión en el mastering .

http://free-loops.com/images/fruityloops-spanish-manual.pdf

Existen varias opciones a la hora de aventurarse en la edición musical y el resto de sus procesos, entre ellos el mastering, fl Studio es sin duda la mejor alternativa a la hora de comenzar a trabajar en máster, por sus características de simple manejo.

7 Puntos indispensables para lograr una buena mezcla!

Sun, 25 Dec 2022 14:33:00 +0000

Reuniendo información a traves del tiempo y con la experiencia de diversos ingenieros de mezcla, logramos determinar 7 puntos que son esenciales para lograr una mezcla exitosa.

muchos de los Ingenieros altamente exitosos comparten características similares a la hora de mezclar. Para mi punto de vista, estas características son las que hacen que estos Ingenieros sigan jugando y siendo buscados en las grandes ligas. Aquí les comparto las 7 características….

1.) Son Fanáticos De La Música
Todos los Ingenieros con los que he trabajo son altamente fanáticos de la música. De hecho mayoría de ellos me dicen que primero son fanáticos y luego son Ingenieros.
Siendo un buen Ingeniero tienes que escuchar todo tipo de géneros. Sabes que en esto recae tu crecimiento musical y tus influencias a la hora de mezclar. No necesariamente tienes que trabajar en todos los géneros de música, pero si tenerles respeto porque siempre hay algo que te pueden aportar.
Sinceramente, si eres un Ingeniero de sonido así sea en vivo, o de post, si no eres fanático de la música no veo el punto del que estés trabajando en esto.
2.) Trabajan Con Sentidos Y Emociones
Mayoría de los Ingenieros mezclan para evocar los sentidos y emociones a cada escucha. La parte técnica desaparece y realmente trabajan con la creatividad para evocar estas emociones a lo largo de la duración de la canción.
Esto se puede volver un poco difícil para aquellos que van empezando a mezclar, ya que todavía no dominan la parte técnica del proceso. Con la práctica suficiente, eventualmente podrás eliminar este proceso técnico y te podrás enfocar mas en el proceso creativo.
3.) Aprenden Perpetuamente
En el audio y en todo en la vida nunca acabamos de aprender. No te levantas un día por la mañana y dices ya aprendí a mezclar. Siempre estamos aprendiendo.
Muchos Ingenieros dicen que tratan de convertirse en esponjas y tratan de absorber todo el conocimiento que se pueda. Aún así sea de alguien que apenas se esta graduando o no tiene idea lo que está haciendo, siempre habrá algo nuevo que aprender para poder aplicar en un futuro.
4.) Se Adaptan A Nueva Tecnología
La tecnología ahora en día es parte de nuestra vida diaria y al igual es parte fundamental a la hora de crear música. Las nuevas generaciones de ahora se adaptan rápidamente a los cambios tecnológicos, algo que algunos veteranos batallan en hacer.
Los Ingenieros que tienen esta capacidad de lograr adaptarse a las nuevas tecnologías e implementarlas a su proceso de trabajo son los que se mantienen mas relevantes.
5.) Están Dispuestos A Compartir Información
Compartir es Aprender. Hay muchos Ingenieros por ahi afuera muy ego-centristas que creen que si comparten sus técnicas les van a quitar su trabajo, ó simplemente creen que son muy buenos como para compartir sus ideas. QUE ABSURDO!
Mayoría de los Ingenieros mas exitosos tienen esa habilidad para compartir información que no muchos tienen.
6.) Monitorean Sus Mezclas A Niveles Bajos
Muchos de nosotros tendemos a mezclar a volúmenes bastante altos. Esto se debe a la falsa impresión que obtenemos por nuestras bocinas debido al alto volúmen. Las curvas de Fletcher y Mundson explican a detalle el porqué de esta percepción.
Los Ingenieros exitosos ya aprendieron cuales son los niveles apropiados para mezclar exitosamente y obtener buenos resultados.
Básicamente es mas fácil balancear, escuchar EQ, y compresión a niveles mas bajos. De hecho una buena regla la cual pueden aplicar a su proceso de trabajo es: “Si su mezcla suena grande en volúmenes bajos, sonará igual de grande a volúmenes altos”
7.) Se Enfocan En El Balance
Todos los Ingenieros con los que he tenido el placer de platicar y/o colaborar me han resaltado esta palabra siempre. Balance
Es la palabra mas importante a la hora de mezclar como ya lo he establecido en un artículo anterior. Si no tienes balance de tus instrumentos, tu mezcla jamás sobrevivirá.
Cuándo hemos escuchado alguna mezcla profesional y hemos dicho que los instrumentos no están balanceados. Creo que nunca, y esto se debe a que los Pro’s ya han amaestrado el arte del balance.
En Conclusión
Estas son solo algunas de las características que poseen estos Ingenieros exitosos, aunque podría agregar muchas más.
Algo que resaltar de este artículo es que todas estas características son muy accesibles para aprender, es simplemente tener el deseo y la convicción de querer progresar y estar en las grandes ligas.

Es un proceso de aprendizaje constante, y acuérdense nunca eres realmente el mejor, en cambio siempre estas en el proceso de volverte el mejor, es un aprendizaje constante donde cada uno debe poner de si.

Algunos Pluguins Gratuitos para tus producciones!

Sun, 25 Dec 2022 14:31:00 +0000

Los mejores plugins VST y AU para PC y Mac

En Internet abundan los plugins VST gratuitos -encontrarás instrumentos, efectos y otros complementos que desafían a la catalogación. Sin embargo, aunque nos parece magnífico tener tantas opciones para elegir, el peso de los números implica que es complicado encontrar lo que realmente sirve para hacer música.
Claro que no perderás nada por descargar algunas aplicaciones y probarlas tú mismo, aunque para ahorrarte mucho tiempo, esfuerzos y energías que mejor podrías dedicar para tu creación musical, hemos preparado una lista de los mejores plugins VST (y Audio Units) que encontrarás ahí fuera.
Nuestra lista de menor a mayor importancia se basa en las opiniones de nuestros lectores, pero no pienses que es definitiva. Si estás convencido de que otro plugin se merece estar aquí, cuéntanoslo, y lo tendremos en cuenta para nuestras listas. Lee más abajo nuestra selección…

Efectos Kjaerhus Audio Classic
PC / VST
Vaya, parece que Kjaerhus Audio ya ha cerrado sus puertas como compañía, pero la buena noticia es que su conjunto de apreciados procesadores clásicos todavía está disponible para su descarga gratuita. Muchos productores han usado estos plug-ins en algún momento: entre ellos figuran Compressor, EQ, Reverb, Master Limiter, Delay, Chorus, Auto-Filter, Flanger y Phaser. Están un pelín desfasados respecto a la última tecnología, pero te servirán como una útil alternativa frente a los plug-ins que incorpora tu secuenciador.
La colección completa venía incluida cada mes en el DVD de portada de nuestra antigua revista Computer Music. De hecho, El Estudio de CM contiene muchos otros plugins que se merecen tu atención -echa mano de los números antiguos de la revista para recuperarlos.
Descarga los efectos clásicos de Kjaerhus Audio

Efectos Togu Audio Line TAL
Hemos recibido tantas nominaciones para los diversos efectos de TAL que decidimos concentrar a todos ellos y simplemente recomendarte que explores tú mismo toda la gama. Estamos seguros de que aquí encontrarás pocas cosas que no te convenzan. Destacan los efectos de vocoder, dub delay y bitcrusher, pero la gama también incluye reverb, flanger, phaser y filtro.
Descarga los efectos de Togu Audio Line

SimulAnalog Guitar Suite
PC / VST
Si deseas aprender una lección sobre no juzgar un libro por su cubierta, no te pierdas esta colección de amplis y efectos para guitarra. Los paneles gráficos son prácticamente inexistentes, pero el sonido es impresionante -incluso son suficientemente buenos para emular tonos de guitarra de intérpretes legendarios.
Esta colección Guitar Suite vio la luz como un proyecto académico de investigación, e incluye dos amplis y cinco pedales. Podría convertirse en la cadena virtual de procesamiento que necesitas.
Descarga SimulAnalog Guitar Suite

NUSofting daHornet
PC, Mac / VST, AU
Hay una sensación especialmente satisfactoria en el uso de un sinte gratuito que una vez costó dinero, y daHornet ofrece justo eso. Se basa en Electronic Dream Plant (EDP) Wasp, un sinte hardware de culto, y ofrece unos filtros sucios y calurosos, envolventes poco usuales y un sonido auténticamente analógico.
Si bien falla en emular algunos tipos de sonidos, daHornet ofrece mucho más que un bonito aspecto, lo cual explica su alta popularidad.
Descarga NuSofting daHornet

Yellow Tools Independence Free
PC, Mac/ VST, AU, RTAS
Como podrás descubrir cuando leas sobre todos los productos de esta lista, suele ser bastante común que los desarrolladores de plugins comerciales ofrezcan gratis versiones recortadas de sus productos, pero Independence Free destaca sobre el resto por el tamaño de su librería de samples. Alcanza los 2GB de sonidos útiles, lo cual hace de este instrumento un peso pesado por sí mismo.
Además, puedes importar hasta 25 archivos de audio de tu cosecha, y sus herramientas de procesamiento contemplan estiramiento temporal y cambio de tono. Incluso soporta el empleo de plugins VST de terceras partes.
Descarga Yellow Tools Independence Free

Voxengo Span
PC, Mac / VST, AU
Span no genera ningún sonido ni tampoco sirve para procesarlo: es un plugin para análisis espectral. Pero se trata de uno de los complementos gratuitos más útiles que puedes echarte a la cara. Span visualiza el contenido en frecuencia de un canal con el objeto de revelarte frecuencias no deseables en la gama más grave o picos que debas tener en cuenta.
Sus funciones lo convierten en una importante herramienta para la mezcla, pues te proporciona una idea muy precisa de los ajustes de ecualización que necesitas hacer.
Descarga Voxengo Span

Native Instruments Kore 2 Player/Kontakt 4 Player
PC, Mac / VST, AU, RTAS
Como probablemente sabrás, Native Instruments produce algunos de los plugins comerciales más selectos del mercado, y estos dos productos que describimos te proporcionan una degustación de lo que es capaz de hacer esta popular compañía.
Kore 2 Player es capaz de alojar los muchos instrumentos Kore 2 disponibles, pero también incluye 150 patches de instrumentos y efectos (400MB) para que arranques. Kontakt 5 Player hace lo mismo con las librerías de Kontakt 5, y además, puede albergar gratis el banco Kontakt 5 Factory Selection, que contiene 50 instrumentos.
Tampoco te pierdas Reaktor 5 Player y Guitar Rig 5 Player, que constituyen dos puntos gratuitos de entrada a esas maravillosas aplicaciones.
Descarga Native Instruments Kore 2 Player
(se puede descargar aunque es un producto que ya no cuenta con soporte)
Descarga Native Instruments Komplete Players

Magnus Jonsson Ambience
PC, Mac / VST, AU
Ha estado entre nosotros desde hace un tiempo, pero una buena prueba de la calidad de Ambience es que resulta ser una recomendación frecuente cuando alguien pregunta por una reverb gratuita de buena calidad.
Y esto se debe, por supuesto, a que Ambience suena realmente lujoso, y a que incluye una cuidadosa selección de presets. Te proporciona un montón de control y una útil función ‘Hold’. Dedícale una escucha…
Descarga Magnus Jonsson Ambience

UltimateSoundBank UVI Workstation
PC, Mac / VST, AU, RTAS
Este instrumento fue diseñado como el reproductor para las colecciones de sonidos de UltimateSoundBank, pero el hecho de que venga con una colección de presets y que soporte archivos WAV, REX y Apple Loops, lo hacen merecedor de tu atención incluso si no tienes planeada la compra de un paquete de ampliación.
Te brinda sofisticadas funciones de edición, efectos y un arpegiador, y nos parece un excelente reproductor de samples. Tenemos un contenido ampliado sobre UVI Workstation que te invitamos a que leas.
Descarga UltimateSoundBank UVI Workstation

Ichiro Toda Synth1
PC, VST
Su panel gráfico no recibirá un premio de diseño, pero Synth1 se basa en el sinte hardware Nord Lead 2, y todavía es uno de los mejores softsintes analógico-virtuales sobre los que puedes poner tus garras.
Implementa dos osciladores, y el primero luce un potenciómetro ‘FM’ -los osciladores pueden ser modulados en anillo y sincronizados entre sí (‘Hard Sync’). Otras funciones destacadas contemplan la desafinación unison (fantástica para crear sonidos de estilo supersaw), efectos y un arpegiador. Y lo mejor es que a pesar de su poderoso sonido, Synth1 resulta ser increíblemente liviano para tu CPU.

Illformed Glitch
PC / VST
A lo largo de los años, Glitch ha evolucionado hasta convertirse en un procesador de efectos basado en secuenciación que es capaz de convertir tus pistas en una especie de cadáver irreconocible, gracias a sus nueve efectos y una sección de filtrado. Para ello, divide el audio en “rebanadas”, y te permite aplicarles diferentes efectos.
Glitch también es conocido por ser una de las piezas favoritas del creador breakcore #OOPS#mat, así que quizá también se merezca tu atención inmediata.
Descarga Illformed Glitch

Green Oak Crystal
PC, Mac / VST, AU
En lugar de sólo ofrecerte síntesis sustractiva, Crystal va más allá e implementa FM, síntesis granular, reproducción de samples e incluso de bancos SoundFont de Creative Labs. Y gracias a su capacidad de secuenciación de ondas, es excelente para generar sonidos de texturas complejas y envolventes.
Bueno, sabemos que ya es un viejo conocido, y que no resulta tan atractivo como otros plugins nuevos, pero si estás detrás de un sinte gratuito que de verdad te ofrezca profundidad, Crystal es difícil de batir.
Descarga Green Oak Crystal

Togu Audio Line TAL-NoiseMaker
PC, Mac / VST, AU
Siendo justos con la transparencia y la objetividad informativas, deberíamos aclarar que NoiseMaker aún no había sido lanzado oficialmente cuando estuvimos escribiendo estas líneas, pero dado que se trata de un desarrollo mejorado de TAL-Elek7ro -el sinte que habría ocupado la primera posición de esta lista-, nos sentimos impulsados a ponerlo en su lugar.
Un instrumento de tres osciladores, NoiseMaker trae un nuevo motor de síntesis, más tipos de filtros, un modulador en anillo y mejoras en sus efectos y en el generador de envolvente ADSR del ampli. En resumen, es el mejor sinte que ha desarrollado Togu Audio Line hasta la fecha, y también corona nuestra lista de plugins gratuitos mejor recomendados. ¡Demonios, si es gratis!
Descarga Togu Audio Line NoiseMaker

Fuente SonicPlug.

Antes de Empezar a ecualizar Tenes que leer esto!

Sun, 25 Dec 2022 14:28:00 +0000

Cómo Ecualizar: Frecuencias

Dominar la EQ para ecualizar audio es esencial para mezclar música correctamente. Para hacerlo bien, has de conocer sus frecuencias y la forma en la que interactúan a lo largo de tus tracks.

Las frecuencias de audio no son difíciles de manipular, siempre y cuando sepas lo que estás haciendo.

El primer paso para saber ecualizar es saber dónde situar cada instrumento en el espectro de frecuencias.

Ver dónde se sitúa cada instrumento en el espectro de frecuencias te ayudará a identificar qué instrumentos y frecuencias podrían solaparse en tu mezcla, y así conseguir la mejor mezcla posible antes de pasar a la etapa final: la masterización.

Escoge tus instrumentos de forma inteligente
La EQ es una herramienta muy valiosa. Pero como todo, tiene sus limitaciones.

Si eliges un puñado de instrumentos que se pelean por conseguir espacio en el mismo rango de frecuencias, tendrás que exprimir tus poderes de ecualización para que combinen bien y sigan sonando de forma natural.

Es importante saber escoger tus instrumentos de forma inteligente y tratar de obtener siempre la mejor grabación posible. Recuerda que la EQ no es un proceso que añades a tu mezcla, si no algo que aplicas.

Ten esto en mente al grabar y consigue la mejor mezcla posible antes de comenzar cualquier procesamiento.

La EQ no puede hacer que una mala grabación suene bien. Pero sí que PUEDE hacer que una buena grabación suene GENIAL.

Los sonidos de tu mezcla siempre tendrán su propio contexto y características.

Piensa en dónde se situará cada instrumento en tu mezcla incluso antes de comenzar a grabar.

Si escoges tus instrumentos basándote en las frecuencias fundamentales antes de comenzar, la fase de mezcla y ecualización resultará mucho más fácil.

Encontrar las frecuencias fundamentales de sintetizadores y otros instrumentos electrónicos puede resultar complicado.

A menudo son capaces de generar un rango de frecuencias y sonidos extremadamente amplio.

La solución más sencilla en estos casos es pulir el sonido que deseas obtener para tu canción directamente en tu sintetizador.

Piensa en dónde se situará cada instrumento en tu mezcla incluso antes de comenzar a grabar.

Por ejemplo: Si vas a usar un sintetizador FM para crear un sonido brass lead, deberás sintetizar el sonido de brass basándote en las frecuencias fundamentales.

No podrás estar al 100% seguro hasta que lo escuches en tu mezcla, pero trata de prepararte lo antes posible antes de grabar lo que sea.

No existen normas “exactas” sobre qué bandas de frecuencias causarán problemas para qué instrumento.

Así que siempre escucha, observa y aprende del contexto de tu propia mezcla cuando hayas grabado cada parte.

Por supuesto, PUEDES usar todos los instrumentos que quieras en una misma banda de frecuencias.

Pero cuantos más instrumentos apiles, mayor será la probabilidad de que estés escondiendo información importante.

Así que tu EQ tendrá que ser más aún más compleja para que todo suene en su lugar.

Filtra tus beats

La mayoría de ecualizadores paramétricos cuentan con filtros high pass y low pass. Son la mejor forma de comenzar a aplicar ecualización correctiva y liberar espacio en tu mezcla.

Los instrumentos con frecuencias más altas también contienen información en las frecuencias bajas.

En muchos casos, las frecuencias bajas de un instrumento cuyas frecuencias son altas y viceversa se pueden atenuar o eliminar. Y aquí es cuando los filtros low pass y high pass entran en acción…

En lugar de realizar ajustes muy específicos, los filtros high pass y low pass eliminarán las frecuencias no necesarias a una escala más amplia.

El filtro high pass se suele usar para eliminar frecuencias bajas de los sonidos con fundamentales altas como los hi-hats o los rimshots.

Es muy posible que las frecuencias bajas de estos sonidos estén enturbiando tus bajos. Al aplicar un simple high pass, tus bajos tendrán más espacio y pegada al mismo tiempo que los sintetizadores y percusiones altas ganarán claridad en tu mezcla.

Lo contrario ocurre con el filtro low pass. Eliminar frecuencias altas innecesarias de tus bajos te aportará más espacio para trabajar ahí arriba.

Recuerda que todos los instrumentos contienen información importante en las bandas altas y bajas. Así que recorta solamente las frecuencias que no necesites para nada.

Usa siempre tu oído para determinar el nivel.

Barre tus bandas

Barrido de frecuencias es tu mejor amigo a la hora de encontrar las áreas problemáticas en tu mix. El barrido de frecuencias te ayudará a encontrar la frecuencia exacta que quieres arreglar. ¿Y eso cómo se hace?

En primer lugar, coloca un punto con alta ganancia y ancho de banda (“Q”) ajustado en tu EQ paramétrico.

Reproduce tu track y “barre” el punto a un lado y al otro en el espectro de frecuencias

Escucha y busca el momento en el que el problema que estás tratando de solucionar suena MUY OBVIO (puede que incluso tus oídos se pongan tristes durante un momento). Pero una vez lo oigas, sabrás que has encontrado la frecuencia que vas a recortar.

Por ejemplo:

Si lo que quieres es eliminar un poco de explosividad a un tono de guitarra, haz un barrido con tu EQ hasta encontrar la frecuencia donde el boom es más evidente. Cuando encuentres al culpable, recorta la frecuencia y vuelve a escuchar tu track (hablaré de recortes un poco más adelante).

A veces, algunos problemas se pueden solucionar sencillamente usando los filtros low pas o high pass que he mencionado antes. Pero el barrido de frecuencias te ayudará a aislar áreas muy específicas que podrían necesitar un reajuste.

Consejo útil: Asegúrate de mantener la concentración en el problema que estás tratando de solucionar. Realzar ciertas áreas de tu espectro hará que algunas partes suenen bastante mal.

No recortes todo aquello que suena mal automáticamente.

Realiza cada ajuste particular en su debido momento.

Para recortar, precisión

Ahora que ya has aislado tu frecuencia problemática es el momento de hacer algún que otro recorte y silenciar al malo de la película.

Por regla general, trata de no sobrepasar los 3dB cuando estés recortando.

Si no, tu recorte puede sonar demasiado exagerado.
Aunque, una vez más, todo depende de tu oído.

Para recortar, mantén el ancho de banda ajustado. Recuerda que recortar es eliminar información de tu audio, así que, cuanto más amplio sea tu Q, más carácter estarás quitando al sonido. Por eso es imprescindible encontrar la frecuencia problemática. Te permite recortar sólo lo justo y necesario.

3db_cut
Para realzar, amplitud

Para realzar un sonido, necesitas un Q más amplio. Realzar un sonido con un amplio de banda ajustado hará que tus frecuencias suenen de forma poco apropiada. Un Q más amplio hará que las frecuencias que realzas suenen de forma más natural para tus oídos.

Un ancho de banda más amplio funciona debido por motivos científicos — y no vas a rebatir la ciencia, ¿verdad? El oído quiere sonidos naturales. Un Q más amplio ayuda a conservar ese sonido orgánico que tanto nos gusta.

3db_boost

Al realzar frecuencias puede aprovechar para experimentar con tu EQ y sacar el carácter interesante de tus sonidos.

Prueba a realzar frecuencias más allá de las fundamentales.

Al realzar los armónicos ligeramente obtendrás interesantes resultados para generar pegada, presencia o intriga en tu mezcla.

Consejo útil: Usa un analizador de espectro, o un plugin de EQ que lo incluya (como el TDR NOVA), para detectar armónicos interesantes.

Experimentar ecualizando armónicos añadirá riqueza y carácter a tu sonido.

Pero también es una buena forma de detectar bandas demasiado pobladas. ¡Prueba ambos para obtener los mejores resultados!

Panning EQ

El panning es una genial manera de liberar espacio para dos instrumentos que comparten un rando de frecuencias.

Si no quieres jugar demasiado con el tono en el EQ pero sigues escuchando frecuencias solapadas en tu mezcla, prueba a orientar un sonido a la izquierda y el otro a la derecha.

Al ofrecer a los sonidos conflictivos su propio espacio en el campo de estéreo, sacarás a flote las frecuencias únicas y las características del timbre y conseguirás individualizarlas en tu mezcla.

Tus elecciones siempre dependen de tu propio oído.

Usando el panning para dar más espacio a cada parte, observarás menos lucha entre instrumentos.

No siempre funciona, pero en cualquier caso el panning es indispensable en cualquier mezcla. Así que sácale el máximo partido.

Las normas del high pass y el low pass siguen funcionando para eliminar las frecuencias innecesarias.

Pero el panning es una opción adicional si no deseas alterar el carácter de tu sonido para que dos instrumentos suenen correctamente.

Escucha el conjunto. No el Solo.
La principal trampa durante la EQ es obsesionarse con los sonidos aislados.

Escucha SIEMPRE toda la mezcla y ecualiza en consecuencia. Tus sonidos son parte de un conjunto y la forma en la que aplicas la EQ depende de su función en la globalidad del proyecto.

Si ecualizas las pistas una a una escuchándolas en Solo, vas por mal camino. Por eso se llama “Mezclar” y no “Aislar”.

En caso de duda, trata de pensar como un oyente cualquiera. Nunca escuchará los elementos de tu track aislados como tú en el estudio. Sólo escucharán toda la canción. Así que deja que el sonido global te asesore en la toma de decisiones durante la ecualización.

Es muy posible que incluso algunos sonidos suenen “mal” al aislarlos. Pero al escucharlos en toda la mezcla suenan de maravilla. De eso va una buena mezcla especialmente cuando se trata de ecualización.

Una buena grabación es el primer paso para conseguir una buena mezcla. Pero lo que de verdad puede marcar la diferencia es una ecualización inteligente.

Usa estos consejos básicos para comenzar tus experimentos con la EQ y descubre cómo afecta a tus canciones.

No dejes de revisar los consejos útiles para usar fl cuando te falta inspiración, Si este post te gusto déjame un like y compartilo, seguime para recibir mas contenidos útiles.

Estas Haciendo Un Remix? esto Tenes que saber!

Sun, 25 Dec 2022 14:25:00 +0000

El mundo de la música evoluciona a pasos agigantados, debido a que lo hace de la mano de la tecnología.

Esto se ve claramente en el campo de la música electrónica y el EDM. Existen tantas formas de combinar, modificar y fusionar canciones y estilos que se necesitan cada vez más conceptos nuevos que etiqueten los procesos creativos.

Es probable que te suenen conceptos como bootleg, remix o mix, ya que muchos de estos aparecen con bastante frecuencia en los títulos de las canciones y como no, de YouTube; probablemente el portal de internet donde más música se consume y más variedad hay.

Por otro lado, conceptos como mashup, flip, medley, VIP, extended mix, o edit, son fáciles de entender si se explican las diferencias, pero pocos las conocen en realidad, a menos que te dediques (o quieras dedicarte) a campo de la música.

Diferencias: remix, bootleg, mashup, cover y otros

No son pocos los conceptos que aparecen relacionados y en ocasiones con difusas distinciones.

A continuación vamos a intentar describir conceptos como flip, medley o bootleg (entre otros), a ver si con un poco de suerte las personas empiezan a utilizar correctamente estos términos.

1. Remix

El probablemente el término más utilizado de nuestra lista. Es también muy conocido y usado en su traducción al español como “remezcla”.

El concepto de remix es bastante ámplio y se usa de manera bastante indiscriminada, lo que dificulta su definición y la distinción con el resto. De entrada, podemos decir que existen varios tipos como el Mashup y el bootleg, que veremos a continuación.

La premisa central del remix consiste en coger una canción existente y modificar algunos de sus elementos para conseguir nuevos efectos y una estética algo cambiada. Además, también se pueden incorporar otros elementos más o menos simples para completar el proceso, pero siempre sobre la base de la canción original.

2. Remake

A pesar de que haya una delgada línea entre remix y remake, y entre este último y cover, lo cierto es que a niveles teóricos está claro. El remake no se sirve de la base de la canción seleccionada para modificarlas, sino que el proceso se centra en añadir cosas totalmente nuevas, sin modificar lo existente.

De todos modos, se podría decir que un remake es lo mismo que una cover (que veremos a continuación), aunque hay diferencias sutiles e importantes para los sibaritas de la música.

3. Cover

Si bien es raro encontrar una cover en la música electrónica, es uno de los conceptos más usados en el campo de la música en general, ya que muchos cantantes empiezan haciendo covers o simplemente disfrutan haciéndolos a lo largo de su carrera.

Cuando un cantante (por ejemplo desconocido) agarra su guitarra e interpreta (bajo su propio estilo) un clásico (o no) como Wonderwall de Oasis, ahí está haciendo una cover.

En cambio, el remake se centra en reproducir la canción con el mismo estilo y siendo igual de fiel a la original, salvo en algunas partes de la canción donde (guardando la coherencia) se añaden cosas nuevas.

Sin embargo, el remake implicaría tomar la canción exactamente igual, y (por ejemplo) añadir una estrofa más, manteniendo el estilo, la musicalidad y los demás atributos de la canción.

4. Bootleg

El bootleg es muy similar al remix (podríamos incluso considerarlo un subtipo), tanto que la gente los confunde, pero lo cierto es que hay matices distintos entre ambos conceptos.

Pero advertimos que hay que ponerse un poco técnicos para entender este concepto.

En el caso del remix, la persona dispone de las pequeñas partes de la canción, desde lo bajos, las vocales, y todos los sonidos que aparecen por separado. En el caso del bootleg, la persona no dispone de estos elementos separados, sino que tiene el archivo como lo podemos tener tú y yo en el móvil.

Esto limita bastante el uso de softwares para crear algo nuevo a través de la canción existente.

De hecho, la inmensa mayoría de remixes que hay por la red son en realidad bootlegs, ya que una persona normal en su casa no suele disponer de los steams (los pequeños y numerosos sonidos que componen la canción), porque esto solo lo tiene el compositor original en su ordenador.

Por esto último, el concepto de bootleg se suele considerar como un remix no oficial, por no tener el consentimiento del propietario de la canción original.

5. Mashup

Básicamente consisten en hacer lo que coloquialmente podríamos llamar como “copias y pegas”. El nuevo tema surge de la combinación de fragmentos ya existentes con otros. Lo más normal es encontrar las vocales de una canción con el sonido instrumental de otra, o coger una mitad completa de una canción y ponera justo antes de la mitad de otra, algo nada complejo.

6. VIP

Todos sabemos que VIP significa Very Important Person, pero en el mundo de la música estas siglas significan algo bien distinto.

Las versiones VIP las suelen hacer los autores de la canción original.

Básicamente son versiones un poco distintas a la original que el autor tenía y decide publicar tiempo después de la versión original.

Como si un productor de cine decidiese publicar la versión de la película que estuvieron a punto de lanzar pero que al final acabaron modificando.

Pero no solo tiene porqué ser anterior al lanzamiento, a veces, el autor de la canción original, después del lanzamiento, decide perfeccionar algún elemento de la canción, y lanza esta nueva versión como VIP.

7. Flip

Originalmente viene de cuando los artistas usaban vinilos, en los cuales, cada cara tenía una versión o directamente dos canciones distintas.

La versión remezclada solía encontrarse en la cara B del vinilo o también llamado flip-side.

De este origen ha derivado (curiosamente) hasta significar un remix de otro remix.

Es decir, cuando un Dj o productor hace un remix de una canción que ya ha sido remezclada, lo cierto es que está haciendo un flip.

8. Edith

El edith (o edit) es muy similar al ya comentado VIP. Este caso sucede cuando un artista, al escuchar una canción, piensa que puede mejorarla cambiando algún detalle (por ejemplo, aumentar un poco el bajo o hacer más agudas las voces).

Los cambios suelen ser pequeños, por lo que no se podría etiquetar como remix, bootleg o remake.

9. Mix

Este concepto realmente hace referencia a un proceso más que un tipo de canción.

El mix es cuando juntas todos los componentes y pequeños fragmentos para hacer una producción.

Por eso, siempre que se tomen unas partes de aquí y otras de allí, o incluso cuando eres tú el que crea todos los sonidos, el paso de juntarlos se considera “mix”.

Por eso, se suele hablar de “vocal mix”, “instrumental mix”, etc.

Es porque en cada mix se han juntado unos elementos (en el primero se avisa de que están presentes las vocales), u otros (en el segundo, solo los elementos instrumentales).

10. Medley
Hacer un medley es muy sencillo.

Basta con tomar un grupo de canciones y ponerlas las unas detrás de las otras con sutiles transiciones para que no hayan cortes entre medias.

Lo más normal es que las canciones sean de estilos similares y con ritmos muy parecidos o iguales.

11. Extended Mix

Uno de los mixes más comunes. Son siempre de mayor duración que las versiones originales, con inicios y finales más prolongados.

Se podría decir que los extended mixes son menos comerciales que las versiones originales debido a la duración.

Y con en esto, concluimos que existen diferencias,. Pero lo mas importante es saber cuales son para que puedas nombrar correctamente tus futuras producciones.

Compresión Multibanda por defección!

Sun, 25 Dec 2022 14:18:00 +0000

El procesamiento multibanda divide una señal en diferentes bandas de frecuencia, bajos, medios bajos, medios superiores y altos, y luego procesa cada banda individualmente, con poder de software, el procesamiento multibanda es el camino que abre nuevas maneras de moldear y procesar el sonido.

Para dividir el sonido de una guitarra en diferentes bandas y luego procesar cada una individualmente con un amplificador, (Tenga en cuenta que con la distorsión multibanda cada amplificador ve menos nivel porque recibe solo una banda de frecuencias. Es probable que necesite subir el parámetro Drive de un amplificador para compensar).

Algunos programas de grabación también permiten efectos paralelos, de forma nativa o con complementos. Por ejemplo, la arquitectura de la cadena de efectos PreSonus Studio One incluye un módulo divisor. Al igual que Guitar Rig, este divisor puede alimentar divisores adicionales.

Puede crear rutas paralelas utilizando envíos, como este ejemplo en Ableton Live. Siempre que el programa tenga una buena compensación de retardo de complemento para que las pistas permanezcan sincronizadas, esto funciona bien.

Con el software de grabación, puede simplemente copiar una pista tantas veces como desee y luego insertar los efectos apropiados en cada pista. Al igual que con el envío de FX, el programa necesitará tener una compensación de retraso de complemento.

Luego necesitas crear las bandas. Aunque algunas divisiones en los programas de software le permiten dividir por frecuencia, generalmente son solo cruces: puede separar todo por debajo y por encima de una determinada frecuencia. Esto funciona si solo necesita dos bandas, pero mi método favorito es utilizar la compresión multibanda para crear las bandas. Aquí te explicamos cómo hacerlo.

Inserte un compresor multibanda en una de las divisiones y escuche solo esta división. Establezca la relación de compresión para todas las bandas en 1.0: 1 y rodilla para obtener la rodilla más suave posible (generalmente una configuración con un número bajo). Esto anula la compresión, por lo que el complemento puede convertirse en un crossover multibanda.

Solo cada banda en el compresor multibanda y ajuste los límites alto y bajo para cubrir el rango de frecuencia deseado para la banda individual.

Guarde esta configuración como un preajuste temporal. Inserte una instancia del compresor multibanda en cada división y active el preajuste temporal para cada instancia.

Solo la banda más baja en una división, los medios inferiores en otra división, los medios superiores en otra división y los agudos en otra división. Ahora cada división se ha restringido a una banda particular de frecuencias.

Aunque usar un compresor multibanda para crear la división es mi primera opción para crear bandas de frecuencia, también puede usar un ecualizador gráfico en caso de necesidad. Como ejemplo con Hélix, para cubrir los mínimos, subo las tres bandas inferiores y establezco las otras bandas al mínimo. Para los medios bajos, las bandas de 250Hz y 500Hz se activan mientras que el resto se desactiva, y así sucesivamente. El uso de un ecualizador gráfico para dividir con la guitarra a veces puede ser más flexible que el uso de la compresión multibanda, porque puede sangrar un poco de una banda a otra si mejora el sonido.

Tenga en cuenta que algunos procesadores (como QuadraFuzz de Steinberg y Trash de iZotope) ya son de naturaleza multibanda, por lo que se dividen, se separan en bandas y se procesan en un solo complemento.

Una vez que haya configurado sus bandas individuales, puede comenzar a experimentar. Si ha creado su propia configuración multibanda haciendo divisiones y aislando bandas de frecuencia, aquí es donde comienza la verdadera diversión. Para cada división, es posible que desee incluir el mismo procesador pero con diferentes configuraciones y / o procesadores en algunas divisiones pero no en otras (por ejemplo, divisor de octava solo en las frecuencias bajas y multiplicador de octava solo en las frecuencias altas), o completamente diferente procesadores en cada división.

Aquí hay un consejo final: se necesita un poco de esfuerzo para configurar un entorno para el procesamiento multibanda. Si su software de grabación puede guardar preajustes de pista o plantillas de pista, guarde su diseño multibanda para que pueda recuperarlo en cualquier momento que desee el procesamiento multibanda.

Déjanos tu dedo arriba y compartinos tu opinión.